Malarstwo

Pięćdziesiąty drugi minialbum w serii Malarstwo przedstawia dorobek artystyczny Artura Nachta-Samborskiego (1898–1974), polskiego malarza i wykładowcy akademickiego. Nacht-Samborski studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie pod kierunkiem Wojciecha Weissa i Felicjana Szczęsnego Kowarskiego. Kilkanaście lat spędził w Paryżu, gdzie tworzył wspólnie z innymi członkami ugrupowania artystycznego Komitet Paryski, m.in. z Józefem Czapskim, Janem Cybisem, Piotrem Potworowskim i Zygmuntem Waliszewskim. Po zakończeniu drugiej wojny światowej był profesorem Państwowej Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych w Gdańsku, z siedzibą w Sopocie, i Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. W twórczości artysty zauważalne są inspiracje fowizmem, ekspresjonizmem i formizmem. Nacht-Samborski malował głównie martwe natury, zwłaszcza zaś fikusy, portrety i akty kobiece, rzadziej krajobrazy. Jego prace cechują bogata kolorystyka i zróżnicowana faktura. Wstęp i wybór najważniejszych prac malarza przygotowała Anna Zelmańska-Lipnicka.

Nowa publikacja w serii Malarstwo poświęcona jest twórczości Włodzimierza Tetmajera (1861–1923), jednego z najciekawszych malarzy i grafików okresu Młodej Polski, pisarza, działacza ludowego i niepodległościowego. Tetmajer studiował na Uniwersytecie Jagiellońskim i w Szkole Sztuk Pięknych w Krakowie oraz w zagranicznych akademiach, m.in. w Wiedniu i Monachium. Edukację zakończył pod kierunkiem Jana Matejki. Był współtwórcą znanych towarzystw artystycznych: Towarzystwa Artystów Polskich „Sztuka” i Towarzystwa „Polska Sztuka Stosowana”. Zasłynął skandalicznym na owe czasy małżeństwem z chłopką, Anną Mikołajczykówną, a na kartach literatury zapisał się jako Gospodarz z Wesela Stanisława Wyspiańskiego. Zafascynowany polskim folklorem i krajobrazem podkrakowskich Bronowic, uwieczniał głównie mieszkańców wsi, ich zwyczaje i obrzędy, często też portretował własną rodzinę. Jego obrazy odznaczają się realizmem, barwnością i wielofiguralnością. Tetmajer w swojej sztuce podejmował również tematy sakralne i patriotyczne. Minialbum został opracowany przez Stefanię Krzysztofowicz-Kozakowską.

Album przedstawia kilkaset ikon ze zbiorów polskich muzeów i kilku kolekcji prywatnych, ale także obrazy przechowywane w świątyniach prawosławnych, unickich i rzymskokatolickich.Autor książki, ks. prof. Michał Janocha, historyk sztuki, znawca ikon, pokazał dzieła od wieków otoczone kultem oraz te nieco zapomniane, reprodukowane po raz pierwszy. Omówił najważniejsze tematy ikonograficzne oraz fundament teologiczny malarstwa ikonowego i jego historyczny rozwój, uwzględniając ikony z terenów państwa polsko-litewskiego, ikony ruskie, bałkańskie i współczesne. Książkę zaprojektował prof. Maciej Buszewicz.

Olga Boznańska, jedna z najważniejszych postaci polskiej sztuki przełomu XIX i XX wieku, zapisała się w historii jako mistrzyni portretu, w którym łączyła emocje z głębokim studium psychologicznym postaci. Jej malarstwo, pełne zgaszonych tonów i impresjonistycznego światłocienia, stanowi unikatowe połączenie francuskiej elegancji z polską melancholią. Boznańska stworzyła własny, niepowtarzalny styl, który przyniósł jej międzynarodowe uznanie, zarówno w Paryżu, jak i w Monachium, gdzie zdobyła liczne nagrody. Jej najbardziej znane dzieła, takie jak Dziewczynka z chryzantemami czy Portret Paula Nauena, ukazują zdolność artystki do uchwycenia istoty ludzkiej duszy, co czyni ją nie tylko wyjątkową malarką, ale również prekursorką nowego spojrzenia na portret.Agnieszka Kijas jest krytyczką sztuki, pisarką oraz organizatorką spotkań i prelekcji na temat malarstwa. Prowadzi podcast „Dawno temu w sztuce”, gdzie w lekkim tonie opowiada o najwybitniejszych dziełach, jakie na przestrzeni wieków wyszły spod pędzli genialnych malarzy. Jest także autorką książek o wybitnych artystach oraz monografii teatralnych. Jako dziennikarka i felietonistka aktywnie promuje sztukę zarówno na żywo, jak i online.

Do dzisiaj trudno pojąć fenomen sztuki malarskiej. Od wieków porusza barwami, liniami i kształtami. Jest odzwierciedleniem potrzeb, uczuć i emocji człowieka, który za jej pośrednictwem dokumentuje obraz swoich czasów. Malarstwo. Najpiękniejsze obrazy to prawie 1000 dzieł ukazujących przemiany w kulturze i historii. W albumie przedstawiono reprodukcje dzieł w układzie chronologicznym - od prehistorii po współczesne malarstwo uliczne. Efektowne obrazy, zarówno najznamienitszych artystów, jak i twórców mniej znanych, zostały opatrzone obszernymi komentarzami.

Album pt. „Andrzej Lichota. Malarstwo” przedstawia najważniejsze prace współczesnego artysty malarza, rysownika, reżysera i rzeźbiarza.Prezentuje przede wszystkim dzieła malarskie – artysta tworzy w nurcie abstrakcji ekspresyjnej, do którego inspiracją są autentyczne przeżycia artysty. Istotnym elementem jego twórczości jest także rzeźba, pejzaż, struktury i fragmenty, ale także spotkania i miejsca oraz szeroko pojęte odwołanie się do archetypu. Artysta zrealizował takie cykle malarskie jak: Australia, Iran i La Gomera, Corrida. Album opatrzony wstępem autorstwa Urszuli Kozakowskiej-Zauchy, całości dopełnia projekt dra Michała Piekarskiego.

Album pt. „Józef Chełmoński” przedstawia najważniejsze prace jednego z najwybitniejszych przedstawicieli polskiego malarstwa realistycznego. Artysta tworzył w Warszawie, Monachium, Paryżu, a jego liczne wyjazdy na Ukrainę, Podole, Wołyń czy Litwę zaowocowały znakomitymi i cenionymi na całym świecie obrazami. Jako doskonały, przenikliwy wręcz, obserwator natury w swoim malarstwie koncentrował się przede wszystkim na rodzimym krajobrazie: malował sceny z życia wiejskiego, melancholijne widoki natury: pola, mokradła, rozlewiska, ptaki; ale także targi, jarmarki czy konne zaprzęgi. Wszystko to, w całej rozciągłości, prezentuje niniejszy album, wzbogacony o ciekawe, archiwalne fotografie i interesujący tekst syntetyzujący twórczość Józefa Chełmońskiego autorstwa dr Stefanii Krzysztofowicz-Kozakowskiej. Album w wersji polsko-angielskiej.

Polski design to książka o historii tworzenia sztuki użytkowej od okresu formowania państwa polskiego do czasów współczesnych. Autorka w sposób analityczny przedstawia informacje na temat dziejów projektowania codziennych przedmiotów ułatwiających człowiekowi pracę i wypoczynek. Projekty powstały w efekcie działań designerów związanych z krajowym środowiskiem artystycznym lub zatrudnionych w instytucjach i zakładach tworzących rozpoznawalną w świecie polską markę. W przystępny sposób zostały opisane dziesiątki faktów i zjawisk, które zadecydowały o charakterze umeblowania w naszych domach i miejscach pracy, o wyglądzie i jakości rodzimych pojazdów, a nawet o popularności określonych rodzajów aparatów fotograficznych i kupowanych dzieciom jako prezent z okazji Pierwszej Komunii Świętej. Opowiedziane historie mogą zaciekawić zarówno studentów wzornictwa, jak i osoby zainteresowane kształtowaniem się trendów w polskim designie.

Winslow Homer, amerykański malarz, grafik i rysownik, znany jest głównie ze swoich realistycznych dzieł, które często przedstawiają sceny z życia na wsi, morskie pejzaże oraz ludzi w ich codziennych sytuacjach. Jego prace, wyjątkowe ze względu na mistrzostwo w oddawaniu światła, kolorów i atmosfery, są niezwykle prawdziwe i emocjonalnie bogate. W twórczości Winslowa Homera można dostrzec wpływy romantyzmu i realizmu – to właśnie realistyczne podejście do tematów oraz umiejętność przedstawiania wrażeń sprawiają, że jego dzieła wciąż pozostają inspiracją dla wielu artystów i miłośników sztuki na całym świecie. W albumie przedstawione są najważniejsze dzieła takie jak Breezing Up, The Fog Warning, czy Home, Sweet Home.

Henri Rousseau (1844–1910) to francuski malarz, który zdobył uznanie jako przedstawiciel sztuki naif lub prymitywistycznej. Jego dzieła charakteryzują się naiwną stylizacją, płaskimi formami i jaskrawymi kolorami. Rousseau często malował pejzaże i sceny z dżungli, chociaż sam nigdy nie podróżował do takich miejsc. Pomimo braku formalnego szkolenia artystycznego, jego prace zdobyły uznanie w środowisku artystycznym, a dzisiaj są uważane za ważny element historii sztuki modernistycznej.

Kompendium wiedzy z historii malarstwa. Od prehistorycznych rysunków naskalnych, poprzez kolorowe starożytne malowidła pompejańskie, surową religijną sztukę średniowieczną, renesansowe piękno, barokowy przepych, klasycystyczną harmonię, ożywioną formę XIX-wiecznej ekspresji aż po różnorodną i często niełatwą w odbiorze sztukę współczesną. Album bogato ilustrowany przykładami omawianych stylów oraz kierunków malarskich.

Alfons Mucha (1860–1939) jest jednym z najważniejszych przedstawicieli stylu secesyjnego, a jego twórczość stała się symbolem przełomu XIX i XX wieku. Prace tego wybitnego czeskiego malarza i grafika charakteryzują się zmysłowymi liniami i ornamentami, bogactwem detali i subtelną kolorystyką. Wyidealizowane bohaterki jego dzieł przypominają niedostępne egzotyczne boginie, leśne rusałki lub senne zjawy. Mucha zdobył sławę dzięki swoim plakatom reklamowym, które wprowadziły nową estetykę do sztuki użytkowej i przyniosły mu międzynarodowe uznanie. Album ten jest wyjątkowym hołdem dla twórczości artysty, zawierającym fotografie jego najważniejszych dzieł, od plakatów i ilustracji po monumentalne malowidła i projekty dekoracyjne. Książka oferuje również wnikliwy wgląd w życie i twórczość Muchy.Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, zdradza tajemnice biografii artysty, inspiracje, obsesje i tajniki warsztatu, a także analizuje wpływ jego twórczości na sztukę współczesną.

Album prezentuje wybór grafik Napoleona Ordy, XIX-wiecznego artysty, znanego przede wszystkim z malarstwa pejzażowego i rysunku. Jego prace stanowią bezcenny zapis historyczny, dokumentujący architekturę i krajobrazy dawnych Kresów Wschodnich, obecnych terenów Białorusi, Ukrainy, Litwy oraz Polski. Prezentowany zbiór prac Napoleona Orda obejmuje rysunki i akwarele dokumentujące wędrówki artysty po ziemiach I Rzeczpospolitej – Kresów (dziś znajdujących się na terenach Litwy, Ukrainy i Białorusi), ale także Galicji i Księstwa Poznańskiego. Znalazły się w nim zarówno okazałe magnackie rezydencje, jak i nieco skromniejsze szlacheckie dworki, tworzące swoisty genius loci i świadczące o aspiracjach właścicieli. Uzupełniają je szkice przedstawiające zabytki Wilna, Grodna czy Kijowa oraz ważnych dla zbiorowej wyobraźni Polaków pamiątek historycznych. Wraz z ilustracjami przedstawiającymi małomiasteczkowe i wiejskie krajobrazy miejscowości o egzotycznie dziś brzmiących dla nas nazwach, z charakterystycznymi dla nich zabytkami architektury sakralnej i industrialnej często przybliżają bogaty i zróżnicowany kulturowo oraz wyznaniowo krajobraz dawnej Polski. W zestawie nie zabrakło szkiców budowli istniejących do dziś, choć znakomita większość nie przetrwała. Dzięki zachowanym archiwalnych fotografiom, dziełom plastycznym i literackim można jednak zrekonstruować nie tylko ich historię, ale także losy właścicieli oraz docenić dziedzictwo kulturowe Europy Środkowo-Wschodniej.

Impresjonizm to ruch artystyczny, który zrewolucjonizował sztukę drugiej połowy XIX wieku, wprowadzając nowy sposób postrzegania rzeczywistości. Dzieła jego mistrzów, takich jak Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir i Camille Pissarro, charakteryzują się lekkimi, krótkimi pociągnięciami pędzla, tworzącymi dynamiczne, pełne życia i ruchu kompozycje. Zgromadzone w albumie reprodukcje oddają esencję tego, co stanowiło o wyjątkowości tego kierunku – ulotność chwili, gra światła i cienia, oraz subtelność kolorów. Główne tematy impresjonizmu obejmują pejzaże, sceny miejskie oraz portrety, a wszystkie te motywy łączy fascynacja zjawiskami atmosferycznymi i zmieniającym się światłem. Artystyczne eksperymenty malarzy koncentrowały się na uchwyceniu chwili, wrażeń i subiektywnych odczuć, co było radykalnym odejściem od dokładnych i szczegółowych przedstawień charakterystycznych dla wcześniejszych epok.Sławomir Cendrowski jest doktorem nauk humanistycznych, specjalistą w zakresie historii sztuki i kultury, wykładowcą uniwersyteckim, redaktorem monografii i katalogów wystaw muzealnych. Zajmuje się także sztuką regionalną. Autor opublikował wiele artykułów z dziedziny malarstwa nowożytnego oraz mecenatu artystycznego. Jest też autorem albumów popularnonaukowych z dziedziny malarstwa.

Alfred Wierusz-Kowalski był czołowym przedstawicielem środowiska polskich artystów związanych z Monachium. Jego żywiołem były realistyczne, ale i idylliczne sceny z życia wiejskiego, z jego kulturą – nie pracy, lecz czasu wolnego. Na obrazach piaszczystymi drogami pędzą bryczki z roześmianymi wieśniakami lub suną przez śniegi wielokonne powozy. Czasem w zakolu rzeki pojawi się wilk lub wychyli zza wzgórza wataha. Nikt nie umiał tak dobrze jak on oddać grozy walki pomiędzy człowiekiem i zwierzęciem, trwogi atakowanych koni i przerażenia ludzi. Dzieła tego artysty cieszą się niesłabnącym zainteresowaniem i sprzedawane są w najlepszych galeriach sztuki w Europie. Album zawiera wybór ponad 50 prac Alfreda Wierusza-Kowalskiego, całość uzupełnia wstęp historyka sztuki Elizy Ptaszyńskiej, od lat zajmującej się twórczością malarzy związanych ze środowiskiem monachijskim.

Malarstwo barokowe na Śląsku to fenomen, który nie przestaje intrygować. Nasza nowa książka „Johann Jacob Eybelwieser młodszy. Wrocławski malarz doby baroku”, prezentuje światu sylwetkę Johanna Jacoba Eybelwiesera młodszego, uznawanego za jednego z czołowych i najpłodniejszych malarzy działających w osiemnastowiecznym Wrocławiu. Życie Eybelwiesera i organizacja jego warsztatu przypominają casus wielkiego mistrza wcześniejszego pokolenia — Michaela Willmanna, zwanego śląskim Rembrandtem. Bycie artystą schyłku baroku wymagało nie tylko talentu artystycznego, ale też instynktu wytrawnego dyplomaty. Strategia rozwoju kariery artysty, świadomie budującego swoją pozycję we wrocławskim społeczeństwie, musiała uwzględniać lawirowanie między zleceniami od protestanckich mieszczan i wpływowych zakonów katolickich. Dzięki wielostronnej analizie warsztatu malarskiego i uwzględnieniu kontekstu komercyjnego możemy lepiej zrozumieć ekonomiczne aspekty produkcji artystycznej, w tym rzadko poruszane kwestie marketingu i marki osobistej. Na kartach książki znajduje się ponad 260 ilustracji oraz klarownie usystematyzowany katalog 230 dzieł malarza powstałych od rozpoczęcia samodzielnej kariery artystycznej w 1699 roku do śmierci w roku 1744. To także wnikliwe spojrzenie na twórczość mistrza — uwzględniające aspekty technologiczne i ikonograficzne, historię oraz okoliczności powstania dzieł, dzięki którym można wskazać ich miejsce w całym dorobku artysty.

Leon Wyczółkowski – wybitny malarz, grafik i rysownik okresu Młodej Polski. Reprezentant nurtu realistycznego w polskiej sztuce. Prace artysty cechowała wszechstronność; eksperymentował w zakresie stosowanych technik: oleju, akwareli, tuszu, temperze, pastelu, ołówku i w grafice. Znane są zarówno jego pejzaże, jak i portrety miast. Mistrzostwo osiągnął Wyczółkowski także w dziedzinie sztuki portretowej. Uprawiał grafikę oryginalną, stając się jednym z pionierów tej dyscypliny w Polsce. Dzieła pokazane w albumie pozwalają prześledzić etapy rozwoju twórczości malarza. Album stanowi wybór najlepszych prac Wyczółkowskiego z całego okresu twórczości. Czytelnik znajdzie w nim ponad 50 znanych i mniej znanych reprodukcji, uzupełnionych wstępem poświęconym twórczości artysty.

Unikatowe, szczegółowe fotografie wszystkich fresków Kaplicy Sykstyńskiej! Książka pozwala na niezwykle bliskie obcowanie z niepowtarzalnym dziełem, poddanym dokładnej renowacji za pontyfikatu Jana Pawła II, autora "Medytacji nad Księgą Rodzaju na progu Kaplicy Sykstyńskiej". Pierwotna kolorystyka bez późniejszych zamalowań, przybliżone szczegóły, znaczenie kolorów, powiązane motywy, ułożenie postaci, niespodziewane znaczenia ukryte w obrazach - źródło fascynacji, inspiracji i informacji!Arcydzieło Michała Anioła i włoskich mistrzów renesansu ubogaca odkrywcze studium wybitnego historyka sztuki o. Heinricha Pfeiffera, profesora historii sztuki w Papieskim Uniwersytecie Gregoriańskim w Rzymie.Autor jako student odwiedził Kaplicę Sykstyńską: zauważył wtedy ścisły związek pomiędzy poszczególnymi freskami. Swą fascynację rozwijał następnie w ciągu 50 lat dogłębnych studiów, których owocem jest album "Kaplica Sykstyńska na nowo odkryta": Wyniki moich wieloletnich badań umocniły we mnie następujące przekonanie: (…) między freskami wykonanymi w czasach Sykstusa IV a dziełami Michała Anioła istnieją jedność i harmonia, dlatego też można mieć pewność, że cały cykl malowideł kaplicy dokładnie odpowiada jednemu programowi ikonograficznemu. (…) Byłbym szczęśliwy, gdyby czytelnicy tej książki potrafili spojrzeć na te wspaniałe freski własnymi oczami, ogarniając je jednocześnie nowym spojrzeniem i rozkoszować się ich pięknem. O. prof. Pfeiffer w przystępny sposób skomentował dokładnie program teologiczny malarstwa najsłynniejszej kaplicy świata, opierając się na dokumentach epoki, m.in. korespondencji Michała Anioła. 

„Współcześni nowocześni” – kolejna, nietuzinkowa publikacja wydana z inicjatywy Zespołu Pracy Twórczej Plastyki w Koszalinie. Kolorowy album w formacie A4 z zastosowaniem kredowego, grubszego papieru (150g) na swoich stronach zawiera zdjęcia obrazów z krótkimi opisami 50 artystów skupionych w szeregach ZPTP, pośród których są takie osoby jak: Maria Alblas, Halyna Aleksieieva, Marianna Berndt-Kaczper, Henryk Bibiłło, Bogumiła Celer, Maciej Gawlak, Adam Gęgotek, Tomasz Groński, Andrzej Grosicki, Danuta Iskrzycka, Urszula Marzenna Jagodzińska, Marta Jastrzębska-Macko, Elżbieta Kalińska, Edward Kanaszyk, Kazimierz Karniej, Lila Kępska, Uliana Kisilichina, Elżbieta Ewa Knitter, Marek Kuderko, Irena Kwiatkowska, Grażyna Lemmens, Roseline Łazowska, Romana Małecka, Stanisława Markiewicz, Zdzisław Nestoruk, Andrzej Oliwa, Irena Parniewska-Rudz, Estera Parysz-Mroczkowska, Bernadeta Pewniak, Ewa Pietkiewicz, Mariusz Pikulski, Tatiana Pitak, Władysław Pitak, Alicja Polkiewicz, Ludmiła Raźniak, Marianna Lucyna Roszkowska, Zofia Rudecka, Jacek Rudecki, Regina Siwko, Marta Sobczak-Jensen, Longina Stańczyk, Agnieszka Stępniewska, Jadwiga Tofiło, Krzysztof Tracz, Elżbieta Traczewska-Skwierawska, Teresa Turkiewicz, Krystyna Wajda, Bożena Wittke, Olena Yezerska, Iza Zielińska, Danuta Ziobrowska. Wydanie albumu dofinansowane z dotacji Urzędu Miejskiego

Vincent van Gogh (1853–1890) to jeden z niewielu malarzy, którego twórczość wywarła tak wielki wpływ na sztukę XX wieku. Niedoceniany i nieznany szerszemu gronu odbiorców za życia, sławę i uznanie zyskał dopiero po przedwczesnej śmierci. Dziś jego obrazy, m.in. Słoneczniki czy Gwiaździsta noc, należą do najbardziej rozpoznawalnych oraz najdroższych na świecie. Vincent van Gogh malował głównie portrety i pejzaże inspirowane pracą na roli i przyrodą. Twórcze okresy w życiu artysty przerywane były kolejnymi załamaniami nerwowymi. Artysta, poszukując powołania i swojego miejsca na świecie, pracował jako marszand w Londynie i Paryżu, był misjonarzem w Belgii, a w Antwerpii studiował malarstwo. Nie zyskał jednak uznania nauczycieli. Kolejno wyjechał do Arles w Prowansji, całkowicie oddając się malarstwu. Następnie przeprowadził się do Auvers, gdzie namalował wiele słynnych obrazów m.in. Portret doktora Gacheta. Ten pozornie szczęśliwy okres w życiu artysty przerwała śmierć spowodowana powikłaniami po postrzale.

Tworzący w połowie XVI stulecia Pieter Bruegel uważany jest za najwybitniejszego niderlandzkiego artystę okresu późnego renesansu. Z empatią i humorem pochylał się nad losem współczesnych sobie prostych ludzi. W ich egzystencji odnajdywał mądrość, radość i siły zdolne pokonać wszelkie przeciwności losu. Pod pozorami rubaszności i czytelnej formy ukrywał w dziełach moralizatorskie przestrogi. Był uważnym obserwatorem rzeczywistości, wytrawnym psychologiem, a także człowiekiem wrażliwym na piękno natury. Choć na ponad dwa stulecia o Brueglu zapomniano, „odkryto” go na nowo na przełomie XIX i XX wieku, dostrzegając w jego dziełach ponadczasową mądrość i próbę zrozumienia ludzkiej natury.

Henri de Toulouse-Lautrec jest często postrzegany jako postać tragiczna. Urodził się w bogatej, arystokratycznej rodzinie, jednak jego życiowa droga zdecydowanie odbiegała od oczekiwań bliskich. Skończył jako schorowany, naznaczony kiłą karzeł-alkoholik, który często szukał rozkoszy w domach publicznych. Ale takie spojrzenie na życie artysty byłoby zdecydowanie zbyt powierzchowne. Ten wybitny francuski malarz i grafik, a także jeden z najbardziej znanych przedstawicieli paryskiej cyganerii, zyskał sławę jeszcze za życia dzięki plakatom, które wywarły znamienny wpływ na to, jak obecnie postrzegamy grafikę i reklamę. Jego swobodne stosowanie kolorów, płynne linie i nietypowy wybór tematów pomogły zmienić to, co postrzegano jako piękne, i przekroczyć granice tego, co uważano za moralne.

Chyba nie ma osoby, która nie zna malowanych w ciepłych barwach Słoneczników, tajemniczej Gwiaździstej nocy albo urokliwego obrazu z Tarasem kawiarni w nocy. Te wybitne dzieła Vincenta van Gogha, holenderskiego malarza, są pretekstem do rozmyślań nad krótkim, lecz bardzo twórczym życiem artysty. Autorka tekstu, pasjonatka sztuki Agnieszka Kijas, zagląda za płótna jego wielkich obrazów, by zapoznać czytelników z fascynującymi motywami działania i tajemnicami biografii twórcy. Zajmującą opowieść uzupełniają liczne reprodukcje jego dzieł.

Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, w pełnej pasji opowieści prezentuje fenomen Jana Matejki, opowiada o jego najsłynniejszych i tych mniej znanych dziełach, zachęcając, by za pomnikową postacią malarza narodowych dziejów dostrzec także człowieka z krwi i kości: męża i ojca, artystę i społecznika, walczącego nie tylko o uznanie, lecz także o nadanie sensu własnej egzystencji.